Magdalena penitente de G. de La Tour y Bacanal de Nicolás Poussin.
Durante el siglo XVII en Francia se desarrollan varias tendencias.
1. Realismo y tenebrismo similar al resto de Europa y en que se sitúan pintores como :
GEORGES DE LA TOUR en el que la herencia de Caravaggio se observa en el claroscuro mediante el recurso de la vela.
LOS HERMANOS LE NAIN que muestran la herencia barroca en las escenas costumbrista y en el protagonismo de clases populares..
2. Clasicismo. Gran influencia del mundo clásico, de Rafael, de la pintura veneciana. Quien mejor representa y define el clasicismo es NICOLÁS POUSSIN.
3. El Paisaje. Claudio Lorena
4. Academicismo: Le Brun.
Georges de La Tour ( 1593-1652 ). Nació en la región de Lorena en un contexto de los enfrentamientos de la Guerra de los Treinta Años. Se mantuvo fiel al catolicismo.
Su obra se la puede caracterizar por
- Escenas en ambientes íntimos.
- Por el claroscuro y tenebrismo de herencia de Caravaggio o/y pintores flamencos.
- El foco de luz no es exterior sino que procede de la propia composición suele ser una vela o una lamparilla. El foco de luz modela a los personajes y objetos ; crea fuertes contrastes lumínicos ; a la vez que contribuye al recogimiento e intimismo.
- Su obra fundamental es de temática religiosa pero también escena de género. En un primer momento sus obras fueron escenas diurnas pero evolucionó hacia el tenebrismo inducido por la vela.
MAGDALENA PENITENTE JUNTO A UNA LAMPARILLA
1642-1644.
óleo sobre lienzo
Formato: 128 x 94 cm
Museo del Louvre
María Magdalena penitente
es uno de los temas más repetidos durante el Barroco y uno de los más representados por el pintor francés
Se la suele representar con el aspecto físico deteriorado consecuencia de su retiro , ayuna y penitencia en el desierto.
Sin embargo La Tour no elige esa iconografía sino que la representa sentada en una estancia muy austera en la que el único mobiliario es una especie de cómoda sobre la que reposan un vaso con una lamparilla, dos gruesos libros y sobre una cruz de madera se extiende un trozo de cuerda. Tomos y cuerda se reflejan en el vaso de cristal. En ese vaso se conjuga transparencias, reflejos y sombra
La mano de Magdalena, de textura marmórea, sujeta una calavera que queda apoyada sobre el ropaje rojo. Los colores vivos de la falda contrastan con los ocres del color de la calavera , con ello se refuerza la separación entre la vida y la muerte. La luz constituye el aspecto fundamental , siendo una luz artificial, modela, crea brillos como en el cráneo de la calavera, destaca los escasas zonas de color: parte del rostro, camisa , falda, rodilla...
Especial relevancia tiene el foco de luz. La luz de la lamparilla tiene diferentes texturas a medida que asciende la llama ; en la parte superior la luz se disipa para acabar en humo espeso ( ver imagen)
Magdalena está absorta mirando la luz ( la lamparilla) que poco a poco se va consumiendo al igual que la vida . Calavera y llama simbolizan el paso del tiempo, vanitas vanitatis.
San José carpintero
1642
óleo sobre lienzo
137 x 101 cm
Museo del Louvre
El cuadro se caracteriza por el naturalismo y el tenebrismo.
Naturalismo en la figura de José con arrugas y barba ( un hombre de su tiempo) y en la indumentaria de las clases populares. En San José se observa el brillo en el ojo.
Está trabajando sobre un tablero tal vez prefigura de la cruz.
De nuevo la luz , la vela, crea una atmósfera de claros y oscuros.
La luz ilumina el rostro de Jesús que sujeta la vela, crea brillo en la calva de José, en su brazo, hace traslúcidos los dedos de la mano izquierda a la vez que se cuela entre ellos. Pero, por otra parte, se observan sombras en la pared del fondo, en la vestimenta del niño , en la mano derecha de Jesús o las proyectadas en el suelo por su pierna
De nuevo el pintor logra capturar y representar el humo de la vela..
NICOLÁS POUSSIN ( 1594-1665)
Nacido en Normandía y de origen humilde , su vida y carrera estuvo determinada por su viaje y estancia en Italia. Allí en Roma casó con una joven de posición que mejoró su nivel económico, conoció los paisajes del Lacio con sus campiñas y su ruinas clásicas, conoció los relieves romanos que influyen la representación de sus pastores y modelos.
En Roma recibió la influencia sobre todo de Rafael, cuyo sentido del equilibrio y armonía dejaron huella en su obra y la importancia que concede al dibujo. Este sentido de la racionalidad en la composición de las obras se ve también influenciada por la filosofía de Descartes. También influye Tiziano como se observa la relevancia que concede a los detalles y elementos secundarios.
Recibió encargo de cardenales y del propio Papa.
Su reputación le llevó a una breve estancia en Paris trabajando para Richelieu y siendo pintor de la corte de Luis XIII.
Dos años después regresa a Roma, donde permanecerá hasta su muerte , siendo un maestro para aquellos pintores franceses pensionados que se instalaban en la ciudad.
Sus temas son : mitológicos. bíblicos, históricos, alegóricos.
Es considerado el pintor más importante del siglo XVII, siendo su obra más conocida y comentada Los Pastores de Arcadia o ET IN ARCADIA EGO.
Et in Arcadia ego fue realizado entre 1637 y 1638, siendo un óleo sobre lienzo y se puede visitar en el Museo del Louvre.
Poussin realizó una versión anterior en 1628
El significado del título del cuadro ha sido objeto de muchos debates , textualmente el epitafio dice Y EN LA ARCADIA YO ..... que podría ser : yo estoy o en la arcadia estuve. En los dos casos es un " memento mori" . En esa región idílica, morada del dios Pan ( dios de la naturaleza) donde los pastores , conviven con ninfas, saben leer, recitar y crear poemas de amor , llena de felicidad y de paz, LA MUERTE también les alcanza , está presente. ¿ Podría ser La Muerte la mujer que mira la escena y apoya su brazo sobre el pastor?.
El significado del título del cuadro ha sido objeto de muchos debates , textualmente el epitafio dice Y EN LA ARCADIA YO ..... que podría ser : yo estoy o en la arcadia estuve. En los dos casos es un " memento mori" . En esa región idílica, morada del dios Pan ( dios de la naturaleza) donde los pastores , conviven con ninfas, saben leer, recitar y crear poemas de amor , llena de felicidad y de paz, LA MUERTE también les alcanza , está presente. ¿ Podría ser La Muerte la mujer que mira la escena y apoya su brazo sobre el pastor?.
En un paisaje mediterráneo, en el que el que parece atardecer, el sol ilumina las nubes y a los protagonistas, por una parte los pastores idealizados con sus túnicas, sandalias, bastone y coronas de laurel. Dos de ellos da la impresión que acaban de encontrar una gran tumba o sarcófago señalando sorprendidos el epitafio, uno de ellos mira a la mujer , cuyo modelo y perfil remite a la escultura clásica, que observa estática.
En la composición destaca por una parte el volumen y la geometría de la enorme tumba que marca una línea horizontal y parece el centro de la composición. Enmarcan la tumba a la izquierda un pastor , en forma de paréntesis y a la derecha la verticalidad de la mujer continuada por los troncos de los árboles.
A ambos lados del grupo dos espacios protagonizados por el paisaje que crean profundidad. A la izquierda más iluminado y con un cielo azul y a la derecha menos iluminado con nubes grises y con colinas al fondo.
La luz incide especialmente en la espalda y brazo del pastor agachado, en la cara, brazo y pierna del pastor sorprendido o que quiere saber el significado y en el cuerpo y la cara de la mujer que podría ser la Muerte o el Destino
Mediante la luz se crea el modelado de los cuerpos mediante zonas en sombra como el primer pastor o la espalda de la figura alegórica.
Destacan los colores primarios : rojo, amarillo y azul a los que se añaden el color verde de las hojas de los árboles, colores terrosos, los azules y grises del cielo
No hay comentarios:
Publicar un comentario