I. IDENTIFICACIÓN Y
DESCRIIPCIÓN
Autor: Vermeer de Delf
Cronología : 1658-1660
Técnica: óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 44,5 x 41 cm
Género: Pintura
costumbrista
Estilo: pintura
barroca holandesa
Localización
actual: Riijksmuseum de Ámsterdam (Holanda).
Las escenas costumbristas eran muy apreciadas por la burguesía para decorar sus viviendas , por lo general se representaban escenas con mensaje alegóricos criticando los vicios de la sociedad o simplemente con fin decorativo. En este caso y en otras pinturas de interiores Vermeer elige como protagonistas a mujeres para resaltar las virtudes del trabajo bien hecho , sencillo Además revaloriza la profesión de sirviente o criado .Un canto a la sencillez mediante el naturalismo de las cosas y la luz
II. ANÁLISIS.
El espacio o
marco en el que transcurre la escena captada en EL INSTANTE de verter la leche es
una estancia de composición claramente abierta : no existe techo y el lado derecho no
está definido.
Por la ventana entra
una luz
que crea
en el muro espacios blancos-grisáceos y sombras sobre todo alrededor de
la esquina.
Son unos muros austeros si se exceptúa la cesta trenzada de mimbre y el recipiente de latón o cobre con sus brillos.
En el muro se observan clavo con su prodigiosa sombra , agujeros que dejan ver la arcilla debajo de la cal, grietas, desconchados. En suma una humilde habitación-cocina tratada de manera muy realista Sobre el suelo un calentador con un crisol de arcilla que contiene brasas y al fondo cerámica azulada típica de Delf y desconchados
La protagonista es una mujer que es representada con un volumen robusto , mientras que su
rostro se muestra sereno siendo modelado por la gradaciones de color que produce la
luz y que también crean sombra
Lleva una toca blanca que armoniza con el blanco de la leche, una blusa amarilla con costuras de colo rojo, una falda de color rojo y un delantal azul . Este conjunto produce armonía de colores primarios , excepto los tonos verdosos de las mangas.
La
mujer vierte leche de una jarra a un cuenco de barro, siendo el inicio de un
bodegón que es tan protagonista como la mujer. Parece existir
una relación entre la leche y la crianza.. Su mano está
intensamente iluminada sobre una sección oscura de la pared. En la
mesa encontramos el bodegón formado: por uno trozos de pan,
la jarra azul , una espléndida panera de trenzado de mimbre en
clarooscuro y un mantel azul, en suma una sencilla naturaleza
muerta a la hora del desayuno.La calidad matérica de este bodegón, la cesta de mimbre , el gusto por los detalles brasero encendido , clavo, parte inferior del brazo moreno y superior blanco .... indican una herencia procedente de la escuela flamenca del siglo XV (Van Eiyck).
-
El sentido del espacio o profundidad viene determinado
por las diagonales de los tableros de la ventana , de la propia mesa , de la
disposición del brasero encendido , pero también por el juego lumínico de luz y
sombra.
El encuadre es frontal aunque
el espectador parece verlo un poco desde abajo favoreciendo la
monumentalidad dela lechera
-
Los colores y
la luz tienen gran importancia.
- Colores . Como en muchos cuadros de Vermer
los primarios amarillo y azul brillante están presentes en
esta escena, pero también el primario rojo en el vestido. En la escena
podemos observar varios tonos de azul: el delantal, el mantel y la
tela sobre la mesa y la jarra con toques blancos; además tonos de ocres y
marrón para el pan, las cestas y los recipientes de barro. Los toques
blancos reflejan el efecto de los brillos. La toca es de color blanco
suma de los tres primarios.
- Especial atención merece el tratamiento
lumínico que el artista utiliza en la obra: la luz penetra en la
estancia por la ventana ilumina especialmente la cara y su antebrazo,
guiando al espectador a la leche que fluye, para posteriormente distribuirse
por toda la habitación resaltando las brillantes tonalidades,
especialmente el amarillo y azul, y las calidades de los materiales gracias al
uso de del pointille, una técnica pictórica que consiste en dispersar en toda
la superficie del lienzo. pequeños puntos de luz. Este tratamiento
lumínico enraíza la obra de Vermeer con la tradición luminista que la escuela
veneciana desarrolló durante la época renacentista.
- El ambiente es de sosiego y de tranquilidad , al igual que el
rostro tranquilo de la lechera. La preferencia por la sencillez es una de las
características de este pintor redescubierto sobre todo en el último tercio del
siglo XIX.Significados. El más sencillo es de la dignificación del trabajo y de estas mujeres que sirven en las casas de la burguesía.
LA ENCAJERA , HACIA 1659
Pintada al óleo sobre lienzo, es el cuadro de menor formato del artistas pues mide 23,9 de alto por 20,5 cm de ancho. Se puede contemplar y admirar en el Museo del Louvre
Como " la Lechera " una nueva escena intimista , en este las labores artesanales. Tanto en un caso como en otro se pone de relieve la valoración del trabajo como fuente de realización personal de influencia del calvinismo.
Una encajera joven se centra con gran atención sobre su trabajo genialmente y detalladamente representado manipulando bobinas, alfileres, hilos en su mesa de costura iluminada desde nuestra derecha, generalmente la " luz " en los cuadros de Vermeer proceden de nuestra izquierda.. Cerca de su brazo un cojín de recamar , de color azul, donde se guardaba los materiales de la costura . Al estar semiabierto salen " hilos " blancos y rojos
El fondo gris claro de la pared hace que destaque la protagonista y su entorno lleno de color.
Uno de los elementos fundamentales es la LUZ que crea juegos luces y sombras como en la cara; en la mano; en el cojín , debajo de la mesa o en la pata de la mesa , en el pomo en el que el toque de luz nos indica la dirección de la luz.
Vermeer crea varias profundidades de campo de visión
- - El centro de nuestra atención que es el trabajo de la joven se muestra con gran detalle y nitidez especialmente el hilo de color blanco entre sus dedos - Más lejos de este centro las formas se muestran menos nítidas, a pesar de estar más cercanas, es el caso de los hilos que salen del cojin que se representan como manchas o del tapíz con toques puntillista
Los colores son armónicos destacando el amarillo limón, la variedad de azules y el gris perla.
En este espacio la encajera tan concentrada en su trabajo y separada por la mesa y tapicería está en su propio mundo.
Esta obra presente en el Museo del Louvre fue valorada especialmente por los impresionistas como Renoir y también Van Gogh
III III CONTEXTO, , AUTOR, SIGNIFICADOS
Nos encontramos en la Holanda que ha conseguido su independencia. La burguesía que se dedica a la artesanía y al comercio y espíritu calvinista del trabajo ( aunque Vermeer era católico) gusta de decorar sus casas con retratos, cuadros de género de la vida cotidiana y también con paisajes .
Po Por tanto existe una gran demanda de estos temas y su precio en el mercado es alto. Una de las novedades es la existencia de un mercado y de la figura del marchante encargado de colocar los cuadros . Este cuadro fue bastante apreciado y vendido por 175 florines que se considera alta para la época .
Vermeer de Delf forma parte junto con Hals y Rembrandt de la trilogía de los grandes maestros de la pintura barroca holandesa.
De su vida se sabe poco y su producción fue bastante escasa , unos treinta o treinta y cinto cuadros Nacido en Delf, ciudad de la que realizó su Vista de Delf parece que su formación tuvo lugar en Utrecht Se casó con una mujer de familia adinerada pero a su muerte dejó a su esposa y once hijos llenos de deudas.
Su pintura es muy representativa de un género que tuvo gran éxito en Holanda. Lo que hace que estos cuadros de género aparentemente tan simples sean brillantes es la forma en que el artista domina la luz natural que habitualmente procede un solo lado, así como su naturalismo espontáneo.
Mujer leyendo una carta 1664. Tonos azules , tonos dorados en los remaches de las sillas de tapicería azulada
Realmente estas pinturas son una obra de arte, cada detalle es perfecto y hacen que se vean reales, como una fotografía y nos transporta a la época.
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