VERMEER de DELFT. El Arte de la Pintura

I.  IDENTIFICACIÓN   Y DESCRIPCIÓN ICONOGRÁFICA.

 TÍTULO.  El arte de pintar . Alegoria de la pintura  . El pintor y su modelo. El taller del pintor.

Autor: Vermeer de Delft

Fecha:   posterior a  1666.

 Dimensiones : 130 x 110 cm.

Estilo:  Barroco   Holandés

Material: Oleo sobre lienzo

Género : probablemente alegórico, una alegoría sobre lo que es la pintura

 Localización actual: Kunsthistorisches Museum  de Viena.

       Como se observa existen varias posibilidades  y controversias  sobre cómo titular esta obra que el pintor  consideraba como de las mejores y que permaneció en poder del artista hasta su muerte y  posteriormente su familia lo conservó como un tesoro. 

            Muchos expertos se inclinan por  el Arte de la Pintura  porque así aparecía en un acta notarial  de 1676 por la que se esposa entregaba el cuadro a su madre como pago de las deudas . Pero se ha descubierto que fue un intento de engañar a los acreedores  que no consiguieron por lo que no se pudo evitar su venta. 

     Pero otros expertos  se centran en la mujer que haría como modelo que no alude a la pintura sino que se trata de la MUSA DE LA HISTORIA, CLIO que lleva en su mano izquierda un libro y en la derecha un trombón.  Al   aparecer Clio se piensa que Vermeer quería aludir a algún hecho histórico.              

       El cuadro sufrió muchas vicisitudes . Tras permanecer mucho tiempo sin descubrir fue comprado en 1813 por el conde austriaco Rudolf Czemin   Después de la invasión de Austria por los nazis el cuadro fue vendido a  Hitler . Finalmente el cuadro apareció en una mina de sal en 1945 y entregado al gobierno austriaco

            Actualmente la familia Czemin reclama el cuadro por estimar que la venta a Hitler se hizo bajo presión.

    

  Iconografía.

          La escena tiene lugar en un interior  , como en otros cuadros como la Lechera, la encajera  , en el que entra la luz por una ventana que no vemos.   Pareciera ser el taller del artista que él ha transformado en el cuadro en una rica estancia  de clase pudiente por la riqueza del  embaldosado, el candelabro, del mobiliario

                   Una cortina  que parece haberse descorrido a modo de telón teatral, nos invita  a contemplar a los personajes e incluso a sentarnos en la silla  que vemos en primer plano De esta manera de manera barroca y teatral sorprendemos al artista de espalda en su taller.

                 Ocupando  un lugar destacado   se encuentra precisamente el pintor que viste un traje del siglo del siglo XV   con jubón negro acuchillado con manchas blancas, pantalón bombacho y medias de color rojo.  Se quiere interpretar como una forma de elevar la categoría del pintor por su elegancia alejada de la categoría de artesano. Pero también el hecho de que remita al siglo XV  es  como si quisiera recordar  a los grandes maestros  Van Eyck o Van der Weyden, como si se significase como continuador de la tradición detallista  de estos.

-   Sobre el caballete tiene un lienzo sobre el que está pintando la corona  de la  modelo. Para poderla pintar  con detalle  su mano descansa  en un tiento  que es un instrumento que ayuda a sujetar la mano del pintor para ejecutar detalles minuciosos. El resto de la obra solo está bosquejada. Es decir acaba de iniciar el lienzo.

  
   - Delante  del pintor y señalado por la forma casi triangular del caballete el mapa de Holanda  que se ha convertido en país independiente. Pero el mapa que se representa fue publicado en 1636 y por tanto es anterior a la independencia adquirida en  el Tratado o Paz de Westfalia de 1648.   

    

Observando este mapa se  aprecia  una arruga  o ligera hendidura  que hace de frontera entre la zona que será independiente y las provincias que siguieron bajo la Corona española  Flandes ( actual Bélgica) . Alrededor del mapa veinte vistas de ciudades entre las que se encuentra Delf.   La parte superior como en otros mapas de la época se orienta al Oeste

 
 -  Casi encima del pintor y   casi haciendo de eje de simetría EL  CANDELABRO.  Realizado con gran delicadeza y detallismo se adorna en la parte superior con el águila bicéfala de los Habsburgos     La ausencia de velas puede simbolizar o bien  la ineficacia de la dinastía  para mantener la unidad  y la fe católica  o que el  poder de los Habsburgos ha desaparecido

   Recordamos que en el matrimonio Arnolfini  aparecía también un candelabro con una vela encendida

-   A la izquierda    una gran cortina  que  al recogerse deja entrar una luz dorada que envuelve el espacio  e impacta en especial  en la modelo y el mapa, el candelabro,  los objetos de la mesa. 

 En  una  zona poco iluminada  una  silla cuyos remaches son puntos de luz.

-  la modelo 

hacia la que mira el pintor representa a Clio, la musa de la historia situada delante de la vista de la Haya. Se cubre con un mantón de seda azul  y  con sus atributos : en la cabeza  una corona de laurel , símbolo de la gloria, en su mano 

 izquierda un libro de Tucidides , símbolo del  conocimiento y en su mano derecha  sostiene un trombón  símbolo de la fama.

La luz incide intensamente en la modelo  . Este exceso de luz  contribuye a difuminarla o desenfocarla.     

     

   Delante de Clio una mesa de roble sobre la  que se encuentran : un gran libro erguido, un cuaderno abierto, paños de seda  y una máscara   El significado de esta máscara es muy diverso según los autores puede significar la muerte de la pintura en las provincias del sur y su florecimiento en las  Provincias Unidas del Norte o simbolizar que la pintura es una imitación  de lo real o algo teatral, pues los actores sobre todo en la antigüedad llevaban máscara.

 

     - Por último el enlosado cuya disposición permite que nuestra mirada se dirija hacia la derecha , hacia el centro  es decir hacia el pintor o hacia la izquierda hacia la mesa y la modelo.

II. ANÁLISIS.

     COMPOSICIÓN    En principio es una composición abierta  que se podría dividir en dos grandes partes  por la hendidura o arruga del mapa:  a la izquierda la cortina, la silla, la modelo, la mesa y parte del mapa ( Flandes) y  a la derecha el pintor  y el mapa de  las Provincias Unidas  El dibujo del embaldosado como si fueran flechas nos  permite dirigirnos hacia la derecha , hacia el pintor  o hacia la izquierda hacia la modelo

        Existe un equilibrio entre líneas horizontales y verticales. Las líneas horizontales  que aparecen en las vigas del techo y se repiten en los rodillos del mapa, en la tabla del caballete , en el asiento del taburete y mesas y sillas. Junto a estas líneas se observan estructuras verticales como los bordes del mapa, del lienzo , en la mesa  y diagonales en patas del taburete, en el caballete 

     Esta  composición de horizontales y verticales  otorga al cuadro una sensación de estabilidad  y serenidad.

   La profundidad . como en este lienzo y la mayoría de sus trabajos utiliza la perspectiva lineal   como se observa en la bicromía de las baldosas que como se ha expuesto antes nos conduce hacia el pintor o bien en diagonal hacia la mesa y la modelo.  Si tomamos la diagonal de las baldosas blancas , esta se continúa por el tablero de la mesa  estando el punto de fuga por debajo de la bola que adorna los rodillos del mapa.

                  Pero la gran aportación de Vermeer  es la LUZ mediante la que crea una  sensación de atmósfera en un espacio reducido.  El foco de luz procede de la izquierda de alguna ventana , como en muchos de sus cuadros. 

                          La luz  crea contraste entre  zonas iluminadas  como el manto  azul, el libro, el mapa, el caballete, la espalda del pintor , el candelabro mientras otras partes están menos iluminadas como la espalda de la modelo , la parte derecha de la cabeza del pintor, parte de la mesa y la zona tapada por la cortina en la que se observan toques de luz en la propia cortina y  como  ya se ha expuesto   en los remaches de la silla. al igual que en el candelabro.

         Esta habilidad y destreza con la luz  influyó y sorprendió a los impresionistas del XIX.

           

Destacan como  colores : el azul del manto de la modelo, los amarillos como el libro  que sujeta, negros , blancos , tonos verdosos y sobre todo la riqueza cromática de la cortina con rojos , anaranjados, azules, verdes.

SIGNIFICADOS.

    Muchos elementos  del cuadro  tienen  simbolismo

     -         El pintor vestido elegantemente como reivindicación del valor de la actividad del artista y también como continuador de la tradición de los primitivos flamencos.

  -  La modelo como Clio y con el trombón símbolo de la fama se vincula con el deseo de fama del pintor y de la valoración de la pintura como arte liberal y merecedora de entrar en el libro de los grandes acontecimientos que lleva Clio

    - La mascara como alusión al teatro y al arte de la imitación .

      - El águila de dos cabezas, símbolo de la ineficacia  de la dinastía  de los Habsburgo por una parte culpable   de la separación de las Provincias Unidas del Norte y también del fin de la fe católica  por la ausencia de velas. 

           

  III. CONTEXTO, , AUTOR

         

       Nos encontramos en la Holanda que ha conseguido su independencia. La burguesía  que se dedica a la artesanía y al comercio y espiritu  calvinista del trabajo  ( aunque Vermeer era católico)  gusta de decorar sus casas con retratos, cuadros de género de la vida cotidiana  y también con paisajes  . 

        

   Por tanto existe una gran demanda de estos temas y su precio en el mercado es alto. Una de las novedades es la existencia de un mercado y  de la figura del marchante encargado de colocar los cuadros      . 

    

    Vermeer de Delf  forma parte junto con Hals y Rembrandt de la trilogía de los grandes maestros de la pintura barroca holandesa.

     De su vida se sabe poco y su producción fue bastante escasa , unos treinta o treinta y cinto cuadros   Nacido en Delf, ciudad de la que realizó  su  Vista de Delf  parece que su formación tuvo lugar en Utrecht  Se casó con una mujer de familia adinerada pero a su muerte dejó a su esposa y once hijos llenos de deudas. 

        

   Su pintura  es muy representativa de un género que tuvo gran éxito en Holanda: el cuadro de interior donde se refleja el espíritu burgués. Como en toda su producción artística, excepto su Vista de Delf, parece sorprender  a sus protagonistas en sus tareas diarias: leyendo una carta, cosiendo, vertiendo leche. En el caso de este cuadro el pintor parece haber sido sorprendido  en su tarea de pintar.

 VALORACIÓN Y APORTACIÓN 

 Su pintura intimista y sus logros con la luz no fueron redescubiertos hasta el siglo XIX

    Su gran aportación   son esos interiores que reflejan la vida cotidiana  en los que  el tratamiento de la luz crea un ambiente de intimismo. Como la Carta , la encajera. La Lechera.