**GREGORIO FERNÁNDEZ: La Piedad y Cristo yacente

                             LA PIEDAD

 Autor  : GREGORIO FERNÁNDEZ  ( 1576-1633)

Cronología:   Siglo XVII  hacia 1616
 Tipología: Grupo escultórico.

Estilo:  Imaginería barroca.  Escuela castellana.

Técnica: Madera policromada con procedimiento de la talla

Temática: Religiosa.

Dimensiones: 175 cm. de altura.

Localización : Museo Nacional  de Escultura . Valladolid.
            El   tema de la Piedad es narrado en los evangelios apócrifos y surge como iconografía durante el gótico relacionado con la importancia que adquiere María . Durante el Renacimiento Miguel Ángel realiza una Piedad en la que la expresión de  la Virgen es de serena tristeza . La Contrarreforma vió en este tema tratado de forma patética y dramatismo una forma de conmover al espectador , de modo que empatizara con el sufrimiento de la Virgen.
                La obra fue un encargo de   la cofradía de Nuestra Señora de las Angustias para sustituir a un viejo paso procesional.  Esta imagen formaba parte  de un  conjunto escultórico  en el que figuraban los dos ladrones y Juan y Maria Magdalena  que hoy no forman parte del conjunto. 
      Representa el momento en el que  la  madre acoge en  su regazo el cuerpo de su hijo  con las heridas de la Pasión y muerto , y  manifiesta de forma algo teatral ( rasgo del barroquismo ) su dolor: levanta el brazo  petición de ayuda, en su rostro existe angustia , drama  en contraste con  la serenidad del rostro de Jesús; pero también es una manera de  despertar la compasión , la empatía de los fieles que contemplan su caminar procesional. Su mano izquierda sujeta el brazo de Cristo para que no caiga al suelo.  . 

II. ANÁLISIS-
            
  Material.  Está realizado fundamentalmente en madera  que se tallaba  y los defectos se cubrían mediante el embolado , una mezcla de yeso y telas.   La madera posteriormente se policromaba . Además se utiliza vidrio en los ojos, asta en las uñas , hueso en los dientes, para dar mayor veracidad 

  Composición : Si la obra de Miguel Ángel era una composición piramidal , esta  se puede decir que es piramidal asimétrica que lleva el centro de atención hacia la mano , rostro de la Virgen y cara de Cristo.  . En ella dominan dos diagonales : la más visible es la que forma el cuerpo de Cristo pero también  la Virgen forman otra diagonal mas vertical, también  se observa otra compuesta por el brazo de  María y el caído de Cristo muerto.   Estas formas crean efecto de dinamismo. 

         La composición también es abierta ya que tiene muchos puntos de vista. 

 Tratamiento de las figuras:  
         El canon del cuerpo de Cristo es musculoso y alargado y el de María más corto y ancho 
En el modelado se distingue: 
           - existe un tratamiento realista en el cuerpo de Cristo modelado con suavidad  y en que se marca la  piel , los huesos y músculos.  
          -  Sin embargo los pliegues están realizados con modelado profundo  que crean efecto de clarooscuro. Estos pliegues  se muestran algo rígidos y parecen como algo acartonados  y son de  influencia flamenca  . 

           Color :  La policromía tiene gran importancia en la imaginería como  aspecto que se pone al servicio del realismo.  No fue el escultor quien realizó la pintura sino otros maestros. En el cuerpo de María observamos  el paño  blanco   que cubre su cabeza, la túnica roja  y  el azul del manto  
            En las zonas desnudas el color es mate que contribuye al verismo  así como el rojo de la sangre que se encuentra en las heridas de la Pasion en la frente, rodillas, piernas , brazos, pies....       
                                                   Toda la escena expresa dramatismo , de manera algo teatral .  El cuerpo inerte lleno de heridas , la angustia en el rostro de María, su expresión de ayuda, su súplica con la mano. Un dolor de madre que cualquier madre o persona comprende o empatiza. Eso es lo que pedía la Contrarreforma llegar a los fieles, conmoverlos. 
      
III.   COMENTARIO.   

   

         El siglo  XVII  siglo de crisis,  la sociedad es muy religiosa y la iglesia impone las normas     contrarreformistas por este motivo existe una gran demanda  de imágenes no solo para altares y retablos , sino también por parte de Cofradías , Hermandades, Gremios  cuyos pasos desfilaban en Semana Santa.

               Se extiende y   populariza  la IMAGINERÍA   como el arte de tallar y pintar imágenes religiosas EN MADERA.
 EL siglo XVII es el siglo de la crisis económica, demográfica , política  y también es el siglo de Oro . En este contexto de crisis nada mejor que conmover y atraer a las masas con temas religiosos cuyos contenidos sean cercanos a sus vidas diarias.
                    La producción de imágenes  encargadas por particulares o cofradías fue muy extensa, dando lugar a la llamada imagineria barroca con temas como la vida de Santos, temas marianos sobre todos los relacionados con la Pasión  y temas sobre la propia Pasión y muerte de Jesús.   

Función : conmover al espectador, despertar sus sentimientos y emocionarle. Mediante el efectismo, el patetismo, la gesticulación se intenta hacer participar al espectador en lo que está viendo, mover su corazón.
             
     Dentro de la imaginería  la más dramática es la escuela castellana  en la que sobresale el escultor  Gregorio Fernández, que tiene influencia de Juan de Juni , esculpiendo  imágenes tipos para procesiones como Crucificados,la Piedad, La Dolorosa e imágenes para retablos.      
     La escuela andaluza es menos dramática y dentro de ella citar a  Martinez Montañés, Alonso Cano, Pedro de Mena.
      Cristo de la Clemencia. Martinez Montañés.. Escuela andaluza.  Se puede observar la casi  ausencia en este crucificado de sangre, a diferencia de las imágenes de Gregorio Fernández.  Cristo mira hacia abajo y se "encuentra"  con la mirada de los fieles que miran hacia sus ojos

CRISTO YACENTE.    

      Tipología: Escultura de bulto redondo 

          Dimensiones: Altura = 43 cm.; Anchura = 190 cm.; Profundidad =73 cm.

     Material: madera, cristal ,  asta , hueso , corcho.

   Estilo   Barroco ; Escuela castellana   

   Localización actual:   Museo Nacional de Escultura de Valladolid

               Representa a Cristo que acaba de morir , aún no tiene cerrados los ojos, con la cabeza sobre una almohada ( técnica que utiliza para dar mayor verismo a la expresión del rostro) ligeramente inclinada, como descansando, y los párpados y boca entreabiertos.      

   

    ANÁLISIS         

 Material . Está realizado en madera que se tallaba  y los defectos se cubrían mediante el embolado , una mezcla de yeso y telas . Además se utiliza vidrio en los ojos, asta  en las uñas, hueso en los dientes  y corcho en  las llagas.

  Tratamiento de la figura.  El modelado del cuerpo es un desnudo de gran interés por la anatomía  en el que se modela con suavidad  la piel , pero se marcan huesos y músculos  de forma realista. 

         

    Sin embargo las vestiduras los pliegues son rígidos como   acartonados.   

   

  Color. Tiene policromía que se pone al servicio del realismo: estofado en las vestiduras y encarnado en la piel  rojo en la  sangre, morado en partes tumefactas  

  Es posible su contemplación desde diferentes puntos de vista , sin embargo la mejor es la del lado donde se encuentra la herida abierta.

Toda la imagen expresa dramatismo la agonía en el rostro, ojos, boca, pelo sudoroso, nariz afilada ; las llagas y heridas sangrantes  muy expresivas y que a la vez aportan notas de color al conjunto  y en los ojos  lágrimas de cristal.  

III. COMENTARIOS.  ( ver  comentario de la Piedad )